Otredades. Catálogo 3K ART para Swab 2015. by 3K ART

Otredades JAVIER AYUSO / MIKHA-EZ / CARLOS CASTRILLO

Otredades JAVIER AYUSO / MIKA-EZ / CARLOS CASTRILLO

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Este libro se edita con motivo de participaci贸n de 3K ART en Swab Barcelona Contemporary Art Fair, dentro del programa MYFAF, celebrada en Barcelona del 1 al 4 de Octubre 2015.

Otredades Un proyecto de 3K ART. Galer铆a online de Arte emergente.

Direcci贸n: Carlos Mozas Artistas: JAVIER AYUSO MIKHA-EZ CARLOS CASTRILLO

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Índice Saludo de Swab Barcelona. Joaquín Díez-Cascón

3K ART. Galería de un lugar llamado mundo. Carlos Mozas

Soplan aires nuevos: la resiliencia en el mercado español del Arte. Marta Pérez Ibáñez

Una ventana nueva al arte Laura Jiménez.

Otredades. Carlos Mozas

JAVIER AYUSO Javier Vallhonrat

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MIKHA-EZ Arantxa Romero

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CARLO CASTRILLO Daniel Silvo

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Biografías. Agradecimientos.

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Saludo de Swab Barcelona Un año más desde 2011, Swab Barcelona la feria que apoya el arte emergente, se complace en presentar al público y a los expertos los proyectos que integran la sección MYFAF, My First Art Fair, dedicada a galerías que tengan menos de dos años de existencia, no hayan participado en ninguna feria internacional y presenten artistas nacidos a partir de 1975. Me siento particularmente orgulloso de esta sección, en la que Swab ofrece gratuitamente un espacio a los jóvenes galeristas, para que muestren su talento a la hora de descubrir nuevos artistas, sus innovaciones en el modo de promocionarlos y sus ganas de arriesgar como emprendedores en el mercado del arte, un mundo particularmente difícil. En esta edición de 2015, las comisarias Zaida Trallero y Rosa Lleó han seleccionado a 3K ART, de entre un elevado numero de candidaturas. Sin duda su proyecto será reconocido por los visitantes. Ilusión y capacidad no les falta. Les deseo todo el éxito que merecen.

Joaquín Díez-Cascón Director de Swab

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3K ART. Galería de un lugar llamado mundo. En su último libro Playing to the Gallery, Grayson Perry, el extravagante premio Turner 2003, incluye una serie de ilustraciones muy divertidas y tremendamente representativas del mundo del arte contemporáneo. Entre ellas, recuerdo especialmente una compuesta por dos viñetas en las que se ve el dibujo de un mismo cuadro (algo así como: “pene en rosa, sobre fondo amarillo”) pero con una diferencia entre ambas. En la primera de ellas aparece la fecha de 1974 y un destartalado robot —a imagen y semejanza del Hombre de hojalata en la película Mago de Oz— pintando el original cuadro. Mientras que en la segunda viñeta, se puede ver la fecha de 2014, y en lugar del robot , una especie de videocámara esbelta frente a tan osada pintura, y aparentemente grabando la imagen. Esta imagen nos sirve para ejemplificar la idea de Lipovetsky, en la que decía que nuestra visualización y condición de espectadores se ha visto completamente alterada por la omnipresencia de las imágenes en los medios. En lo que se ha denominado era del “régimen pantallocrático”. Circunstancia que no solo ha condicionado nuestra forma de ver, sino que también ha propiciado una nueva posibilidad ante la creación artística, en la que las imágenes (y por lo tanto las ideas e influencias) circulan a una velocidad nunca antes vista. Rompiéndose las fronteras entre la producción (el artista) y la era de la reproducción (nuestro Hombre de hojalata) para adentrarse hoy en un gran cajón donde encontrar todo tipo de imágenes, sin importar su fecha o lugar de procedencia. Reafirmándose así la idea de Postproducción formulada por teóricos como Bourriaud. Una circunstancia que nos está haciendo pasar de una Historia del Arte a una “Historia de la Recepción”, donde la obra del arte deja de ser la protagonista en favor del “sistema del arte”. Circunstancia que inevitablemente nos hace pasar de la pregunta ¿qué es arte? a la cuestión ¿qué es lo que hace que algo se convierta en arte? y que “nos lleva a hablar de (…) cuestiones relacionadas con el museo, la exposición, el mercado y con una serie de actores sociales (historiadores, comisarios, críticos, marchantes, directores de museos, galeristas) y sus constantes interacciones.”como bien explica Ana María Guasch. (Los museos y lo museal: el paso de la modernidad a la era de lo global, 2008) Sumergidos ya en un tiempo nuevo, que no podemos obviar, hemos de buscar nuevas fórmulas y salidas que circulen por este camino imparable de lo digital, para gestionar y canalizar toda esa información que nos llegaba a través de la videocámara de la viñeta de Perry. Es ahora, conscientes de este nuevo tiempo y ansiosos por formar parte de él, cuando nace 3K ART, una galería y plataforma online de arte emergente que carece de la dirección de una ciudad determinada, pero que sin embargo cuenta con el código postal de todas las ciudades del mundo hoy :“www” (World Wide Web). En un momento donde los grandes museos y galerías de arte ya no son aquellas “clásicas galerías de la modernidad (donde) uno no puede hablar, no puede reír, comer, beber o dormir” como apuntaba O’Doherty.

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Hoy los grandes museos y galerías se afanan por ofertar propuestas alternativas y una amplia gama de productos que conecten con los visitantes, enriqueciendo la experiencia a través del intercambio de contenidos entre la institución arte y el espectador. Es aquí donde Internet y las nuevas formas de conectividad juegan un papel fundamental, siendo cada vez más frecuentes las aplicaciones móviles y las plataformas web que nos permiten una nueva forma de “ver” como Art Project de Google, donde se nos permite acceder a la mayoría de grandes pinacotecas del mundo, sin salir de casa y visualizar cada una de sus pinturas a una nitidez superior a la que nuestro ojo nos permitiría si estuviéramos enfrente de uno de esos cuadros. Contemplar la pincelada de la Venus de Botticelli al tamaño que queramos, hasta llegar a contemplar la trama y urdimbre de su arpillera, es un lujo que hoy esta al alcance de todos sin necesidad de viajar a Florencia —pero no cometan el error de interpretar mal mis palabras y convertirse en un homo sedentarius. Viajen a Florencia y den la razón a Stendhal, ambas experiencias son complementarias. En esta unión de lo digital y los viajes, recuerdo mi última visita a la casa Batlló, en la que las clásicas y soporíferas audio guías, (extensión inconfundible del homo turisticus, otra nueva versión del sapiens en la era globalizada), se han convertido en video guías interactivas, donde la doble experiencia de lo real y lo virtual parece compaginarse de una forma más lúdica. Ayudando en gran medida a que los masivos grupos de japoneses que visitan los ingenios de Gaudí ya no parezcan la nueva entrega de Walking Dead en la ciudad condal. Ante esto hemos de reconocer, como explica Javier Panera, que <<asistimos a un progresivo sacrificio de la “visión”, de aquella relación fenomenológica, corporal, del ser humano con el mundo, a favor de la “visualización” de lo ya encuadrado en una pantalla que, (…) suele ser móvil y promiscua>>. No es de extrañar que, igual que existe una “cultura global”, pueda existir también un “consumidor global”. Al igual que las empresas de la industria musical o editorial están mutando y migrando al mundo digital, las galerías de arte empiezan a apostar por este espacio para llevar también a cabo sus ventas. El gran ejemplo de ello es la archi famosa Satchi Gallery, que con esta apuesta por la venta online de arte, ha sabido volver a hacer del arte todo un negocio. Según The Hiscox Online Art Trade Report 2015, la evolución de las ventas online en el mundo del arte a nivel mundial ha pasado de 1,5 billones de dólares en 2013 a unos 2,6 en este año, por lo que según sus estimaciones se cree que este valor aumentará a 6,3 billones en 2019. Sin embargo, y en proporción al mercado clásico, estas cifras siguen siendo un pequeño porcentaje, pero que sin duda alguna marca una tendencia creciente. Según la misma fuente, el 91% de los compradores online encuestados había comprado a una galería física o casa de subastas antes de comprar por Internet, y de éstos, un 48% dijo que todavía prefiere el espacio físico, por debajo del 56% del año anterior. Y un 15% prefiere hoy la experiencia online, en comparación con el 10% del año pasado. Estos datos nos alumbran que los compradores de arte son cada vez menos dependientes de la galería física y que el mercado del arte, empieza a cambiar de terreno. Pese a ello siguen existiendo muchas reticencias, iguales a las que se producen en otro tipo de ventas online. El cliente necesita sentirse más seguro a la hora de comprar a través de la red, confiar en la galería y en la veracidad del producto. Además existe un factor intrínseco a la obra de arte, por el que el comprador necesita de la experiencia que la presencia real de la obra le genera. Todas estas cuestiones deberán ser subsanadas en gran medida por las propias galerías y el conjunto de la industria cultural, ofreciendo y posibi-

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litando una mayor información en todos los aspectos, que haga de la venta de arte online un acto ante el que no dudar. En el momento que se esto se consiga partiremos con ventaja en muchos aspectos que demuestran que la venta online de arte supone una forma cómoda no solo de comprar, sino también un modelo donde se garantiza la intimidad y en el que podemos encontrar una mayor amplia gama de precios, favoreciendo así la introducción de jóvenes coleccionistas. Y a través del cual conocer de forma rápida y sencilla nuevas propuestas y artistas, sin olvidar que el juicio que ofrecen personas especializadas, galeristas, gestores culturales, críticos, comisarios…etc., será ahora más importante que nunca para filtrar y valorar tal avalancha de contenidos. Con todo ello, bienvenidos a 3K ART, galería de un lugar llamado mundo.

Carlos Mozas Director de 3K ART.

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Soplan aires nuevos: la resiliencia en el mercado español del arte. “No es la especie más fuerte la que sobrevive, ni la más inteligente, sino la que responde mejor al cambio” Charles Darwin El mercado del arte, como parte integrante y determinante del sistema del arte en general, tiene más de 4.000 años de existencia. Esta antiquísima actividad comercial se origina de la decisión del artista por crear y de la decisión del consumidor por comprar; mejor dicho por la decisión de miles de artistas y de miles de consumidores de arte. La función del mercado es unir a ambos, posibilitar la producción de unos y satisfacer la necesidad (o el deseo) de los otros. Pero no es ajeno a la importancia que los propios agentes del mercado tienen en la difusión y promoción de la creación artística, y a su papel de conexión entre el artista y la sociedad: de hecho, una de las funciones principales de dichos agentes del mercado es precisamente ésa, esa labor libre, independiente y arriesgada de puente entre el creador y el público. Somos conscientes del profundo proceso evolutivo que el mercado español del arte está atravesando durante la última década, agravado desde 2008 por la crisis financiera que afecta a toda la economía nacional y global. Este sector ha estado basado principalmente desde los años 70 en el equilibrio entre mercado primario y secundario. El mercado de arte contemporáneo se ha basado principalmente en la actividad desarrollada por las galerías de arte en cuanto a la exposición y venta de la obra de los artistas, a la participación activa de los galeristas en su producción y difusión, la asistencia regular a ferias de arte nacionales e internacionales, el favorecimiento del coleccionismo particular y corporativo, y el fomento de la crítica y el discurso comisarial. Durante la segunda mitad del siglo XX era habitual que la relación que se establecía entre los artistas y las galerías implicara un cierto grado de exclusividad. El artista producía, y dejaba en manos del galerista o, en determinadas ocasiones, del marchante o intermediario, tanto la gestión comercial derivada de la exposición y venta de su obra como las labores de comunicación y la gestión de marketing de su carrera artística. La relativa seguridad frente a la venta de la obra hacía que los galeristas tuvieran un alto grado de libertad a la hora de manejar comercialmente la obra de los artistas, y éstos confiaban en la buena práctica de sus galeristas y marchantes de confianza como gestores de su principal fuente de ingresos. Aún a pesar de las dificultades económicas que nuestro país atravesó a principios de los años 90, hasta ya entrado el siglo XXI nuestras galerías podían mantener, en términos generales, un modelo de negocio basado en el comercio de la obra de arte. Sin embargo, la difícil coyuntura económica que nos afecta desde 2008 ha puesto en peligro este modelo, viéndose reducido no sólo el número de transacciones sino también el de coleccionistas asiduos, y por tanto ha decrecido sustancialmente el número de galerías de arte, y las recién llegadas se plantean de forma muy distinta su participación en el mercado.

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Por otra parte, el incremento en la producción artística y en el interés social por el arte son muestra de una mayor satisfacción intelectual de la población, de una mayor utilidad o rendimiento del arte consumido o disfrutado, a la vez que muestran un más alto nivel de exigencia y de educación en la sociedad. Proliferan las ferias de arte, las convocatorias abiertas a toda la sociedad, la oferta de actividades que tienen al creador a la obra de arte en todos sus medios como punta de lanza. Al mismo tiempo, aumenta la variedad de la oferta de estilos, técnicas, materiales, presupuestos, y por tanto, de agentes del mercado del arte. Es interesante conocer en profundidad los mecanismos que desarrolla la sociedad a la hora de consumir arte, y la forma en que gestores y agentes del sistema y del mercado del arte se adaptan a ellos para aprovechar mejor esa conexión entre el artista y el público. La relación directa entre el artista y la galería de arte, o el marchante o art dealer, determina el hecho de que el primer factor a tener en cuenta sea el propio artista, como creador de la obra que entrará en el mercado pero también como motor de producción artística, y condiciona la forma en la que esa obra se abrirá camino y posteriormente evolucionará en el mercado. Las galerías de arte son el nexo de unión entre el artista y el mercado. Además de ese carácter comercial, común al mercado secundario, su objetivo es representar a sus artistas, obtener la mayor visibilidad para su obra, hacer que estén presentes en colecciones públicas, en museos, en ferias y exposiciones de cierto interés. Salvo casos excepcionales de artistas que autogestionan el comercio de su obra, es raro que un creador, sobre todo si nos referimos a artistas emergentes, no esté representado por una o más galerías. Ése es el objetivo de la mayoría de los artistas noveles que luchan por abrirse un hueco en el mercado, y buscan establecer contacto con galerías. Incluso en el caso de los artistas más consagrados, es habitual que su ascenso se haya debido a la buena gestión de su galería de referencia y, en ocasiones, podemos seguir su evolución en la progresión de las galerías con las que ha trabajado a lo largo de su carrera. El trabajo directo con el artista permite no sólo un contacto directo con los medios de producción, sino conocer de cerca la personalidad del creador, su carácter, sus contradicciones, sus necesidades, su idiosincrasia, sus capacidades únicas, el punto del que parte su actividad creativa. Conociendo a fondo al artista es como mejor puede aplicarse el galerista a conducir su carrera, a promocionar su obra, a captar la atención de los clientes o de otros galeristas, a rentabilizar la inversión realizada en él y a darlo a conocer ante el mercado. La relación entre el artista y el mercado sigue siendo la chispa que permite arrancar al motor de la creación artística, el motor que mueve el mercado del arte. De cómo se desarrolle esta relación y de cómo interactúe con los otros elementos del mercado, como la crítica, los medios de comunicación y el público, dependerán muchas cosas, entre ellas la propia actividad del artista, el éxito comercial de su obra y el valor que ésta aporte al arte de su tiempo. Pero sobre todo, y más allá de los intereses puramente mercantiles, debe existir una sintonía personal entre ambos. El artista es, sin duda, el factor más importante del mercado del arte. Sin artistas no existirían galerías, marchantes, coleccionistas de arte, salas de subastas, comercios de material artístico, críticos de arte, prensa especializada. En otras palabras, el artista es el origen de un producto que genera una actividad, que participa de la industria cultural, que crea puestos de trabajo y produce riqueza. Está dotado de una capacidad única, que lo distingue de otros artistas y del resto de la sociedad. Su propio carácter, quizá gracias a esta capacidad, es peculiar y tiene necesidades distintas a las de otro productor cualquiera. Y por ello, demandan un trato y una relación también especial, que le den seguridad y le permitan crear sin problemas.

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La actual situación del mercado presenta, además, significativas peculiaridades: junto al modelo tradicional de galería de arte, que se ha visto menguado en los últimos años en un número significativo de galerías cerradas, nace un modelo nuevo, sin una tipología concreta pero sí con la intención de presentar una nueva oferta de servicios y productos artísticos que abastezca a un modelo de cliente también distinto, nuevo, exigente y poco convencional, y a un tipo de artista que conoce y define bien su branding o imagen de marca, conoce a los agentes del mercado y autogestiona su carrera con soltura, independiente pero accesible, que ofrece en su propia web el contacto con las galerías que gestionan su obra: un nuevo agente en el mercado del arte. La confluencia de estos tres factores da como resultado nuevos modelos en el mercado del arte que nos permiten augurar cambios significativos en los próximos años. La actual situación del mercado presenta, además, significativas peculiaridades: junto al modelo tradicional de galería de arte, que se ha visto menguado en los últimos años en un número significativo de galerías cerradas, nace un modelo nuevo, sin una tipología concreta pero sí con la intención de presentar una nueva oferta de servicios y productos artísticos que abastezca a un modelo de cliente también distinto, nuevo, exigente y poco convencional, y a un tipo de artista que conoce y define bien su branding o imagen de marca, conoce a los agentes del mercado y autogestiona su carrera con soltura, independiente pero accesible, que ofrece en su propia web el contacto con las galerías que gestionan su obra: un nuevo agente en el mercado del arte. La confluencia de estos tres factores da como resultado nuevos modelos en el mercado del arte que nos permiten augurar cambios significativos en los próximos años. En este contexto, las galerías españolas son ahora conscientes de que los cambios significativos que esta complicada coyuntura económica significan para su actividad, que ya no puede basarse sólo en el comercio de la obra de arte tal y como se concibió hasta hace diez años, lo que plantea no sólo la necesidad de modificar las políticas económicas internas de las galerías activas que pasan por este momento de cambio. También las nuevas galerías que abren al público, una vez han realizado, como decimos, el necesario estudio de mercado para conocer la tendencia actual del sector y definir a qué nicho de mercado pueden adaptarse, son conscientes de la dificultad que supone mantener un plan de viabilidad que se apoye, como en décadas anteriores, en el comercio tradicional de la obra de arte. Hemos visto también cómo las herramientas propias del marketing empiezan a ser utilizadas por los gestores del mercado del arte para definir su plan de negocio y de viabilidad y las estrategias a desarrollar. Así, vemos actualmente cómo determinadas galerías han optado por distintas vías para aumentar su nicho de mercado, su visibilidad y posibilidades de captación y fidelización de clientes, y su contacto y colaboración con los nuevos prescriptores del mercado. De esta forma, incluir nuevos productos artísticos industriales asociados a la obra de arte original o múltiple, incorporar actividades formativas o comunicativas al modus operandi de la galería, diseñar novedosas estrategias de comunicación online y offline, optar por el asociacionismo o por las joint ventures intersectoriales como forma de ampliar mercado son algunas de las opciones que las galerías españolas ofrecen al exiguo coleccionista actual y al probable futuro cliente. En 2013 nace 3K ART, una de estas nuevas galerías que aplican la resiliencia a estos momentos de cambio y se adaptan desde el inicio; un proyecto innovador en nuestro país, no sólo por los canales online que utiliza, sino por su ambición de convertirse en nexo de colaboración entre artistas, críticos y comisarios, profesionales especializados en el sector del arte contemporáneo, que sirve a la vez de espacio expositivo online y de ámbito de promoción, reflexión y crítica de nuevos creadores.

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La juventud y profesionalidad de los gestores del proyecto y de los artistas y críticos involucrados en él, la riqueza plástica, técnica y conceptual que muestra su propuesta, y la progresiva aceptación por parte del público, tanto en el ámbito 2.0 como a nivel presencial, gracias a su asidua presencia en ferias de arte, auguran a 3K ART el éxito que merecen. Entre la selección de artistas que 3K ART ofrecen en su plataforma, destacan tres figuras especialmente interesantes. La visión crítica, irónica, a veces cáustica de la sociedad actual empieza a ser recurrente en muchos creadores de nuestros días, como es el caso de CARLOS GONZÁLEZ CASTRILLO (Burgos, 1984), heredero del arte pop y postmoderno de los 80, a caballo entre la técnica pictórica clásica y el arte digital, que ha participado en interesantes exposiciones como “Querida corrupción” en el Espacio Trapezio de Madrid junto a otros interesantes artistas, y actualmente colabora también con 3K ART. MIKAH-EZ (Miguel González, Gijón, 1991) nos habla de su concepto de vacío a través de una plástica elemental, sutil, de equilibrado cromatismo y una profunda lectura existencialista con toques orientales. La fotografía de JAVIER AYUSO (Madrid, 1981), que conozco y sigo atentamente desde hace unos años, bascula entre los dos mundos de la imagen y la palabra, mostrando la influencia de dos maestros en este arte con los que Javier tiene una estrecha relación profesional, como son Chema Madoz y Javier Vallhonrat, pero una personal inclinación a mostrar los espacios arquitectónicos como personajes que nos hablan en un lenguaje críptico, ya sea a través de carteles o neones, y nos invitan a la reflexión. Cada obra de Ayuso es un reto para la imaginación. A modo de colofón, como estamos viendo, junto al modelo tradicional de galería de arte nace un modelo nuevo, con una variada tipología y con la intención de presentar una nueva oferta de servicios y productos artísticos y canales de difusión y comunicación que abastezca a un modelo de cliente también distinto, nuevo, exigente y poco convencional, y a ese nuevo tipo de artista que define con cuidado su branding o imagen de marca, conoce bien a los agentes del mercado y autogestiona libremente su carrera. La confluencia de estos tres factores, una galería con una idea de negocio alternativa, un coleccionismo evolucionado y cambiante, y un artista autogestor independiente pero accesible, dan como resultado nuevos modelos en el mercado del arte que nos permiten augurar cambios significativos en la evolución del propio mercado en los próximos años. Posiblemente la tendencia que, como hemos visto, se empieza a dejar notar, ese leve desarrollo del mercado desde 2012, se vaya afianzando próximamente, pero quizá no sea en la línea en la que el gran mercado evoluciona, sino que puede darse un aumento del volumen de negocio de productos de precios asequibles para nuevos coleccionistas, que entren en el propio coleccionismo a través de estos nuevos canales y modelos de galerías como es el caso de 3K ART, y a partir de ahí sienten las bases del nuevo coleccionismo del siglo XXI, cuyas características aún están por definirse pero que, en cualquier caso, muy probablemente será muy distinto al que conocemos, y seguramente más prometedor.

Marta Pérez Ibáñez

Especialista en mercado del arte Docente en Universidad Nebrija .

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Una nueva ventana al Arte. - Usted tiene usted puntos de vista muy personales. - Así debe ser; es lamentable caminar por el mundo sin ideas propias. Me horrorizan los hombres que se limitan a seguir un surco. Admiro, en cambio, a los que abren uno nuevo aunque sea torcido o imperfecto. - Pero con «ideas propias» no se come… -¿Y qué de la satisfacción interior? ¿No cree usted que se puede estar satisfecho sin probar bocado y mustio con el estómago lleno? Créame, nunca me gustó hipotecar mi libertad. Este extracto de diálogo es parte de la conversación que mantuvo Pedro con el artista y dibujante de caricaturas Julián Royo en un bar solitario de Málaga en La sombra del ciprés es alargada de Miguel Delibes. El protagonista describe cómo sus dibujos eran buenos, originales y personales y cómo representaba a la humanidad alargada, extraña y defectuosa. En un momento de la conversación, el artista le sugiere a su acompañante que repare en sus dibujos ya que “el día que le dé a un «técnico» por decir que son cosa buena, le supondrán un dineral”. Este artista de «ideas propias» y con una libertad sin hipotecar finalmente no es captado por ningún «técnico» y acaba definitivamente en la ruina. ¿Cuántos artistas como Julián Royo, con grandes ideas, habilidad técnica, personalidad y un potente mensaje que transmitir se han quedado fuera de esa burbuja del mercado del arte –o, como lo denominaría Carmen Riviriego debido a su complejidad, «el laberinto del arte»? Entre el taller del artista y este «laberinto del arte» existe un gran vacío que el artista no es capaz de saltar sólo, y menos aún cuando posee «ideas propias» y prefiere entrar por un surco nuevo, «torcido o imperfecto». Ya desde el siglo XIX ha existido la figura del dealer, del marchante de arte, del galerista y del comisario, intermediarios ya no sólo entre el artista y el coleccionista, sino entre el artista y la institución y entre el artista y el público. El mercado del arte contemporáneo ha tenido como foco principal durante la segunda mitad del s. XX la actividad desarrollada en las galerías de arte y su participación en ferias. Galeristas que empezarían con un “cubo blanco” de cuatro metros cuadrados como el británico Jay Jopling se convertirían en los responsables del florecimiento y encuentro de artistas, coleccionistas, críticos, comisarios y el público. No obstante, no hay que olvidar que el protagonista y la semilla que hace germinar todo este laberinto no es otro que el artista; el artista y su obra. El gran problema llega cuando el protagonista no es capaz de acceder a lo que debería ser su propio hábitat, ni siquiera a través de estas galerías que

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en teoría hacen de intermediarias y de plataformas de acceso. Y es que le sucede al artista recién salido de su taller lo mismo que al estudiante recién salido de la universidad en búsqueda de trabajo: se requiere experiencia, se requiere currículum, pero no se ofrece acceso a una primera oportunidad. Entrados en el siglo XXI este hábitat además ha cambiado, inmersos enteramente en un mundo globalizado dónde los mass media, la red y la conexión online se han derribado todas las lindes, ofreciendo acceso a información, comunicación y difusión internacional. Nos encontramos con un laberinto mayúsculo y extraordinario, con muchísimas más posibilidades donde los artistas pueden intentar saltar ese vacío que les separa a través de una difusión y gestión de su obra a través de páginas web, foros, redes sociales o plataformas de arte. Y es en este último concepto donde entra 3K ART, una plataforma de arte contemporáneo online para ayudar a artistas emergentes a saltar este vacío que les separa del complejo «laberinto del arte». No sólo como mostrador de venta online, sino como espacio expositivo en el que poner en contacto a artistas, críticos y comisarios que a través de la red, están en ningún lugar y en todos a la vez. En 1969 Harald Szeemann daba un gran paso hacia un giro comisarial con la exposición When Attitudes Become Form en la Kunsthalle de Berna. Sin querer entrar en aspectos técnicos y de proceso de la misma, lo que nos interesa de ella fue la libertad de actitud que concedió el comisario a todos los artistas participantes, emergentes en su gran mayoría. Fue una exposición de identidades múltiples, una exposición pionera, activa, basada en una concepción dinámica de la historia del arte y que pretendía salirse del concepto y las paredes de la galería tradicional. Siguiendo el mismo deseo y apetito por lo nuevo del pionero y fundador de la Documenta 5, 3K ART opta por aprovechar todas las posibilidades que ofrece el mundo online y por girar otros 90 grados la situación del mercado del arte y del comisariado. Abriendo las puertas a todo el público, 3K ART invita con un solo click a conocer a sus artistas y comisarios, sus exposiciones y a sumergirse en el mundo del arte. Al igual que en When Attitudes Become Form, es una plataforma de identidades múltiples y de libertad de actitud. Así lo demuestra Otredades, donde la mirada personal, técnica e individualidad de los tres artistas que conforman el proyecto nos presenta esta realidad plural y global que estamos viviendo. Las luminiscencias creadas a partir del minimalismo elemental y delicado de MIKAH-EZ nos enseñan la base más pura de la existencia, del vacío y de la unidad representada por el círculo. Por su parte, CARLOS CASTRILLO, adopta el rol de artista y crítico y a través de la ironía y la transformación de imágenes de nuestra cultura visual comercial lanza un ataque a la polémica política, económica, social y cultural. Finalmente, JAVIER AYUSO nos muestra una visión personal un tanto pesimista, comparable con la de Pedro en La sombra del ciprés es alargada, en cuanto a la impasibilidad de la vida, del humano y su carácter instintivo perruno. Un discurso curatorial que habla de tres visiones diferentes e individuales, tres Otredades que invitan a la reflexión de distintos aspectos de la vida, la sociedad y el propio ser. “El comisario ha de ser flexible. Unas veces actúa de servidor; otras, de asistente; en ocasiones ofrece a los artistas ideas acerca de cómo presentar su obra; es coordinador en las exposiciones colectivas e inventor en las temáticas. Pero, en el comisariado, lo que de verdad importa es hacer las cosas con entusiasmo, con amor, y algo obsesivamente”. (Harald Szeemann)

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Oscilando el equipo de 3K ART entre la figura de galerista, marchante y comisario –o aunando las tres cosas a la vez–, desde dentro puedo reafirmar que, junto a sus artistas, el trabajo que lleva a cabo cumple rigurosamente con lo declarado por Szeemann: 3K trabaja con entusiasmo, con y por amor al arte y, con ese «algo obsesivamente» que lo caracteriza y que le da ese arrojo y tesón para seguir adelante. No queremos otro Julián Royo a la espera del «técnico» ausente que le corrobore y lance a ese laberinto. Queremos más Otredades, más artistas emergentes que lleguen desde ningún lugar a todos los lugares, que expongan lo que tengan que contar, que a través de ese «camino nuevo» aún «torcido y defectuoso», sigan negándose a «hipotecar su libertad» y, por supuesto, que sigan caminando por el laberinto, abriendo puertas por los muros y las lindes, y dejando tras ellos todo lo que para nuestro presente y futuro han creado.

Laura Jiménez Izquiérdo

Comisaria y coordinadora de 3K ART

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Otredades Aceptada la condición de ser otro, conscientes de la individualidad y asumida esta como parte de una realidad plural en la práctica artística contemporánea, los artistas se adentran en una búsqueda de lo personal, con códigos y formas dispares y personales, que nos ayudan a entender, desde la diversidad de lo coetáneo, la existencia de uno mismo a través de lo que sería la mirada de otro. Detenerse ante nuestro “yo” hecho perro en las obras de Javier Ayuso, mirar lo irónico de lo ejemplarizante en un elefante caído de Carlos Gastrillo, o perderse en la calma luz de la obras de Mikha-ez (Miguel González), es asumir que mucho de nosotros está en lo individual del otro. Tres espejos, donde “oírse llorar en medio de la sordera universal” para ser “carencia y búsqueda” (Octavio Paz. Itinerario) de nuestra propia forma de entender cuanto nos rodea, confeccionados con la frescura de lo actual sin embalajes del pasado. Otredades es la selección de tres artistas con motivo de la participación de 3K ART en Swab Barcelona, una apuesta por la estética de lo diferente para el entendimiento de nuestro presente, a la que nos adentramos ahora con estas palabras y a la que nos da la bienvenida Gustavo, (el amigo, y luego perro de Ayuso) paradigma de la otredad, donde se alberga la controversia de una humanidad encerrada en el cuerpo de un animal que nos hace reflexionar sobre nuestra propia condición como humanos y animales, y sobre la propia idea de humanidad. Es la desazón que Gustavo transmite, la que a menudo acompaña nuestra existencia, sintiéndonos habitantes de espacios y tiempos que quizás no nos toca vivir. Un desánimo de lo humano, trasladado al espejo-reflejo que es este animal, en unas fotografías inspiradas en el poema Walking Around, que Neruda escribió en 1935, fruto de una crisis extrapolable a la de hoy, donde estaba en juego el valor de la dignidad humana y que hoy da nombre a este nuevo trabajo de Ayuso, donde un perro se cansa de ser perro y nos recuerda que a veces también nos cansamos de ser hombres. Mensaje que captamos a la perfección en una de sus fotografías, en las que Gustavo se encuentra sólo, casi camuflado en la escena como si no fuera el protagonista, en lo que parece su propia fiesta de cumpleaños. Una escena cotidiana y aparentemente simple, pero que sin embargo es capaz de albergar esa sensación tan humana de la soledad ante el incontrolable paso del tiempo. “Sucede que me canso de mis pies y mis uñas y mi pelo y mi sombra. Sucede que me canso de ser hombre.” (Pablo Neruda. Walking Around)

Ayuso nos acostumbra a unas imágenes en las que se monumentaliza lo que huele a anécdota, convirtiendo esta inevitable estética documental de las imágenes en un juego paradójico entre realidad y ficción, que permite dar nuevos significados a la fotografía, pasando de la indiferencia estética que el conceptual le había impregnado, a una “estética de la indiferencia” donde todo esta medido al detalle y listo para ser servido en imágenes de gran formato seguras de si mismas.

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Si Gustavo y Javier, o Javier y Gustavo, nos cautivaban con un mensaje introspectivo en el que pensarnos a nosotros mismos, la obra de Castrillo nos abofetea y despierta, con dosis duras de realidad edulcoradas por el sabor de la ironía y una estética publicitaria tan conocida, que lejos de asustarnos nos genera empatía, para después hacernos ver la realidad de un mundo que se nos vende bajo el embalaje bonito que los poderes políticos, culturales, religiosos…etc, quieren usar. Sus pinturas-diseño nos recuerdan la Colombia–CocaCola de Antonio Caro, imágenes en las que pequeños cambios en el mensaje, sin modificar la estética, generan nuevas interpretaciones y significados que nos hablan de problemáticas concretas. Su última serie, Spanish Vice, jugando con las reglas antes citadas, nos recuerda el manido y endémico tema de la corrupción, bajo la forma del icónico castillo de Walt Disney, que pasa de ser un paraíso infantil a convertirse en un “paraíso fiscal” con nuevos propietarios, entre los que curiosamente también se encuentran princesas. Unas imágenes que, aunque realizadas con anterioridad, inevitablemente nos traen a la mente la nueva obra de Bansky “Dismaland” donde igualmente la temática Disney se explota con cargas abrumadoras de realidad social, que bajo la mascara de la “industria de la felicidad”, provocan un escalofriante mensaje que no deja indiferente a nadie. Como reza el folleto oficial del evento, “un nuevo mundo caótico donde se puede escapar del escapismo sin sentido”. En la línea de algunos de los artistas contemporáneos más irreverentes como Maurizio Cattelan, Damien Hirst o Eugenio Merino, Castrillo conjuga diferentes disciplinas buscando acercar su mensaje de la forma más directa y en función de sus intereses. Por ello no debemos extrañarnos al encontrarnos con mensajes hechos esculturas de tintes hiperrealistas, que rozan la teatralidad y entremezclan esa suerte de posibilidades que la posmodernidad nos permite, donde la profusa difusión de imágenes y noticias se conjuga de igual forma con cuantas técnicas y recursos estén a nuestro alcance, sirviendo a los intereses del fin buscado y no del medio en si mismo. Si las obras de Ayuso eran nuestro yo interno, y las de Castrillo el que nos rodea, las obras de Mikha-ez suponen el contrapunto más metafísico. Decía Gombrich, que “el hombre es un ser fototrópico; si fuéramos fotofóbicos como las termitas, nos hubiéramos apartado de la luz.” . Quizás sea esta afirmación la que nos dirige ahora a contemplar las obras de Mikha-ez, donde precisamente encontramos eso: luz. Una luz que no sabemos si se retiene o se escapa de unas piezas, en las que lo mínimo se conjuga con una sensación de frialdad cálida, atemporal y estática, en la que la idea de placer se roza con el estremecimiento sutil de la belleza. Delicadeza de materiales y pureza de formas que se conjugan para abrazar la luz en cada una de sus piezas. Con todo ello me permito robar las palabras que Clavin Tompkins, del New Yorker escribió sobre la obra de James Turrell, y que hoy resuenan en mí al contemplar las obras de Mikha-ez: «Su trabajo no es sobre la luz, o una alabanza de la luz, es la luz; la presencia física de la luz manifestada de una forma sensorial».

En resumen, Otredades es Ayuso, Castrillo y Mikha-ez: “Los otros todos que nosotros somos”. (Octavio Paz, Piedra de sol)

Carlos Mozas

Director de 3K ART

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JAVIER AYUSO

Walking Around { Sucede que me canso de ser perro }. 2015. # 1

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Walking Around { Sucede que me canso de ser perro } 1. No tires tan fuerte, que ya sonreí esta mañana, después de que la niña se escondiera tras su falda (tan a la moda).

Walking Around, {Sucede que me canso de ser perro} es el título del último conjunto de trabajos del joven artista madrileño Javier Ayuso. En la difícil ecuación humana, poner en el vulnerable una mirada habitada de ternura equivale a crear un espacio donde resistir la pesadumbre. La domesticación tiene ese sabor: la llovizna roba a la pólvora su olor picante, y el tiempo se prolonga en una latencia de pasillo silencioso. La parodia como antídoto del desánimo; tal parece ser una de las principales estrategias que propone el artista a través de este conjunto de anónimas escenas de la vida cotidiana de un ser social cualquiera. Cualquiera como animal domesticado, sumiso, desubicado entre tanto acomodo, resignado a circunstancias tejidas en torno a propósitos olvidados. 2. Siendo el homenajeado el único invitado, desechada la opción de ser osito de peluche o flor de porcelana, cierra los ojos y suspira. La pintura mate verde sueño ya no ofrece escapatoria a tanta palabra de oropel. En su Teoría Crítica, Teodoro Adorno nos habla de la necesaria indiferencia que debe revestir toda forma de arte para soportarse en una ecosistema social que nos contamina con la toxicidad de su disfrazado desánimo y de su bajeza moral. Sólo el absurdo, el astuto desconcierto puede ponernos a salvo, en un lugar de incómoda incertidumbre desde el que despejar la bruma narcótica de tanto entorno previsiblemente productivo, de tanto espacio asfixiantemente protector. 3. Sin obediencia ni patrón, ya vago limpio de remilgos. Un poco gris, eso sí, pero esperando mi sabia melodía. Apagada la voz, mudo el desafinado graznido del cuervo, silenciado el ladrido, ahogado el relincho: tal es el eco sordo de este pasillo, el destino del sótano. Aquí la noche es larga. Es previsible la tentación de adormecerse, y esperar a que las puntas se hagan romas y dejen de arañar. Una apología de la desesperación se hace inviable como salida política, pero no deberíamos desaprovechar la energía dinámica que tal impulso otorga. Mejor, sospechemos de la difusa tibieza de las calladas sugerencias disfrazadas de estadística; de sobra sabemos que así se soporta mejor la soledad, y eso nos calma. Ya está todo listo: apagué los focos del porche y me despedí de las ranas del verano. Los paquetes han quedado bien, todo a tu gusto, espero. Por la ventana entra apenas un vacío que hubiera aprovechado E. Hopper para hacer un cielo de junio sobre el Hudson.

Javier Vallhonrat Fotógrafo.

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Walking Around { Sucede que me canso de ser perro }. #5

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Walking Around { Sucede que me canso de ser perro }. #6

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Walking Around { Sucede que me canso de ser perro }.# 2

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Walking Around { Sucede que me canso de ser perro }. #4

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Walking Around { Sucede que me canso de ser perro }. #3 Fotográfía y pieza videográfica.

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Detalle. Walking Around { Sucede que me canso de ser perro }. 8

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Walking Around { Sucede que me canso de ser perro }. #11

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MIKHA-EZ

Serie Color light vacuumâ&#x20AC;&#x2039;Medidas variables, polimetilmetacrilato y vinilo polimĂŠrico, 2013 - 2014

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Perseguir el destello. “Quien no puede asombrarse ni maravillarse, está muerto. Sus ojos se han extinguido” (Albert Einstein, Mi visión del mundo) Son extrañas las obras de Mikha-ez. Sí, a primera vista ante todo crean extrañeza, con esa sensación curiosa que punza en lo ajeno, en lo que está fuera y al tiempo, también con una extraña familiaridad, en eso que se echa en falta: “a ver…” Para comenzar, llaman la atención por la aparente artificiosidad de sus materiales, principalmente polimetilmetacrilato, vidrio y vinilo polimérico, que sin embargo están minuciosamente articulados para sostener algo tan delicado y sencillo como un destello. Por esto, más allá de preguntarnos si es un escultor, un pintor o alguien dedicado a la instalación, yo diría que lo esencial es comprender que Mikha-ez es artista en el sentido original del término: aquel que logra el buen ajuste, la idónea articulación entre las partes. Así articula él dichos materiales, elegidos quizás por ser densos y a la vez de apariencia volátil, para sostener la verdadera materia, siempre en fuga, con la que este creador trabaja: la luz. Para localizar el primer rastro de esta estela luminosa, habría que remontarse a un momento en el que Mikha-ez como tal no existía y su alter ego apenas sabía hablar. Cuenta en una conversación con Cayetano Limorte que durante unas vacaciones descubrió fascinado unas lucecitas de colores que aparecían cuando cerraba con fuerza los ojos: eso que en el mundo adulto llaman fosfenos. Ese pretexto asombroso puede simbolizar perfectamente la puesta en marcha de una investigación artística, vital, que a mi modo de ver es ante todo seguimiento, meticulosa persecución, de esas sensaciones tan simples como maravillosas. Pareciera que por ello empezase hace unos años a probar con las texturas, dando unos primeros pasos informalistas para virar hacia la abstracción geométrica y finalmente afianzarse con una propuesta de gran madurez que merodeó entre las formas para quedarse con la esencial, el círculo, así como con su correlato cromático, la luz, el “no color” fundamental que posibilita todos los colores. De esta manera, su obra ha surgido de un proceso de decantación, que apunta a una estética más mínima que minimalista, cercana a conceptos sinojaponeses como lo vacío y lo lleno, por los que se interesó hace tiempo. Desde luego es mínimo su gesto, que se adelgaza hasta penetrar en las piezas para que estas hablen por sí mismas, estando cerca de la concepción deleuziana que considera la obra “el revelador que desaparece en lo que revela”, en este caso ese destello luminoso que siempre queda como remanente. La luz, aquí y en todas partes, hace esencialmente espacio, pues no conviene olvidar que también es materia y en consecuencia construye, estructura el mundo. Por tanto, podría decirse que las piezas de Mikha-ez tienen una naturaleza eminentemente espacial que sobre todo indican, ponen un marco luminoso a esa zona, concebida como sensorial, para que volvamos a verla y apreciemos que el arte no necesita de artificios para ser mágico. Ahí queda ese destello que surge de ninguna parte, “en realidad” tan sólo un reflejo que se proyecta gracias a esa excelente articulación del vinilo monocromo sobre el espacio. Piezas entonces o más bien indicadores, huellas que nos señalan que algo ha ocurrido o todavía ocurre, algo que apela a nuestros sentidos; acaso un umbral, una puerta, que según Bachelard es “un cosmos entreabierto”. Por consiguiente, estas obras no son “la obra” sino aquello que apuntan, su espaciamiento, que se configura esencialmente en el juego entre llenos y vacíos, a través de una delicada tensión que afecta directamente a nuestro sensorium corporal, a nuestro lugar en el mundo. Pero ¿hacia dónde apuntan dichos destellos, qué indican? La estela sigue arrojando luz en el origen: los círculos. Decía que la obra de Mikha-ez pone atención en lo mínimo, en lo primario y por eso no deja de dar vueltas a esa forma que es emblema solar y que marca un ritmo cíclico que parece tocarnos por igual.

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Muchos de sus proyectos se basan en series de discos luminosos idénticos cuya escala cromática crece y que a mi parecer introducen al espectador —o habitante según James Turrell, artista admirado— en la actitud de espera necesaria para la contemplación, que por cierto viene de contemplum, plataforma desde la cual los sacerdotes paganos escrutaban el firmamento. Así pues, la resonancia y su gozo recurrente aparecen como uno de los conceptos fundamentales de su propuesta estética, o más bien diría estésica, basada en la repetición del círculo y sus variaciones, como si quisiera señalar un común que tiene ciertos ecos cósmicos. En efecto, un bloque de sensaciones esperan a ser reactivadas cada vez que alguien se acerca a sus piezas, como si estas brillasen al unísono sólo cuando el espectador está presente. Tan difícil dedicarse a lo originario y sin embargo Mikha-ez consigue que cada nueva combinación sea un verdadero comienzo, instantes de un ritmo circular que alude al girar del mundo con la materia de la que se nutre todo ser, la luz. Por ello, creo que no estaría lejos del ideal que según decía François Cheng animaba a los artistas chinos, “realizar un microcosmos vital en el cual el macrocosmos pueda obrar”. Así Mikha-ez atento en su microcosmos de estelas y fosfenos solidificados, afanado en trabajar las estrellas. Un herrero delicado que moldea la luz sabiendo que la magia del arte consiste, como diría Joan Brossa, en desvelar el misterio sin revelar su secreto. Por eso quizás trae esta creación mínima, apenas destellos de luz, para que no veamos demasiado, para no quemarnos en lo luminoso. Bien cierto es que sus obras siempre guardan un secreto que parece no poder resolverse de un vistazo, pues su truco consiste en que finalmente no hay truco alguno. Y no obstante,, como las estrellas que indican que existe algo vasto e inconmensurable que es el cielo, de la misma forma las piezas de Mikha-ez respecto al arte, el cual se escapa como un cohete fuera del discurso. En definitiva, y por mucho que queramos des-cubrir sus piezas, ver el posible umbral que se resguarda bajo ellas, lo que está claro es que este artista nos exhorta a preguntarnos cuál es el espacio de lo real y de lo ficticio al tiempo que nos invita a participar de la bóveda celeste. Cuerpo y mundo se intercambian aquí, en una estela que va y viene una y otra vez, mostrando un cosmos que va abriendo, adivino que en forma de mapa estelar. Nunca sabremos si detrás de sus piezas se esconde alguna centella, un satélite, una estrella o incluso una supernova, y qué bien que sea capaz de proteger ese misterio, aunque lo más importante es creer que tras ellas podría esperarnos el Sol, aunque sólo se nos muestre su fulgor. Finalmente, quizás por eso sean extrañas las obras de Mikha-ez, porque traen las sensaciones de aquel mundo olvidado, ese estado maravillado del niño o del primer hombre que contempla con asombro las constelaciones y siente, en su cuerpo, el ritmo inmenso de los astros, que sin duda nos concierne aunque sólo nos toquen unos instantes de la estela. Y sin embargo, no se agota su luz.

Arantxa Romero Historiadora del arte y poeta

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Serie Vacuum as space. Another perception of the vacuum Medidas variables, vidirio y espejo, 2013

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Serie Ellipses lightâ&#x20AC;&#x2039;Medidas variables, polimetilmetacrilato y vinilo polimĂŠrico, 2014

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Connections. Polimetilmetacrilato y vinilo polimerico pigmentado. 90 y 15 cm diametro. 2015.

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Serie Monochromatic proposal. Golden age 20 cm de diĂĄmetro (cada pieza), polimetilmetacrilato y vinilo polimĂŠrico, 2014

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Serie Big Bang fluor 39 x 32 cm (cada pieza), impresi贸n plotter sobre papel Hahnem眉hle, 2014 2015

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CARLOS CASTRILLO

Death always win. 150x150 cm. 2011.

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Sobre Castrillo.

Mucho se ha escrito y discutido sobre qué es arte político, sobre su pertinencia o no como subgénero dentro del arte contemporáneo, o incluso sobre su verdadera eficacia a la hora de remover conciencias. No vamos a resolver ninguno de estos asuntos con este texto, pero sí vamos a decir sin lugar a dudas que el trabajo de Carlos G. Castrillo es arte abiertamente político. Y lo es porque los intereses y preocupaciones personales de Carlos son los de alguien comprometido con la realidad social y política del momento. Él busca cambiar las cosas, quiere vivir en una sociedad más justa e igualitaria, una sanidad y una educación públicas y de calidad, él quiere condiciones de trabajo dignas para todos, unos políticos que sí nos representen… Y su manera de manifestarlo es a través de dibujos, serigrafías, escultura o pintura. En su trabajo existe esa necesidad de denuncia y cambio, convencido de que, con imágenes, se puede convencer y hacer conscientes a los conciudadanos de que “otro mundo es posible”. La ironía es una herramienta muy frecuente en su trabajo, como vemos por ejemplo en las obras de la serie Spanish Vice, donde usa la tipografía de Walt Disney para hablarnos de los palacios de ensueño que se han construido nuestros grandes ladrones nacionales como Jaume Matas o Urdangarín. El uso de recursos tomados del diseño también es muy habitual en su obra, ya sean los iconos del WhatsApp (Toja Parajo Tower, 2015), la tipografía de marcas comerciales (Spanish Vice, 2015) o el logotipo del partido republicano (Death always wins, 2011). Todo vale para lanzar mensajes claros, contundentes y directos. Sus denuncias no solo se dirigen al mundo de la política, sino también al mundo del arte, sobre todo a aquello relacionado con el mercado. Damien Hirst y Jeff Koons son, lógicamente, dos de sus principales blancos. The physical possibility of three skulls in total equilibrium tank (2013) y Work of (F)Art (2013) son obras que critican la creciente e indecente mercantilización y espectacularización del arte. Como si de un micromundo se tratara, el mercado del arte no hace sino reproducir las mismas desigualdades que se generan en el mercado global, donde la brecha entre clases se hace cada vez mayor y el malestar es más y más generalizado, reservándose el bienestar para un cada vez más reducido grupo de elegidos. En el trabajo de Carlos G. Castrillo también están presentes simbologías tomadas de la cultura occidental como la piedra y la paloma de la paz, que aparecen en Riot, el imaginario del poder (2014), un políptico compuesto por un óleo sobre lienzo donde vemos una paloma ardiente que escapa de un grupo de antidisturbios, mientras dos figuras negras flanquean la escena, con una escultura de un chico tirado en el suelo y con una piedra en la mano. Símbolos económicos y políticos se mezclan para dar sentido a un conjunto de obras cuya intencionalidad está claramente dibujada: acusar, reír, y a veces, llorar.

Daniel Silvo

Artista y comisario

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P谩gina anterior. Monetary Dictatorship. 2013.

(Fragmento) Riot, el imaginario del poder. Instalaci贸n. 2014.

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Serie Spanish Vice, . 50X70 cm. 2014-2015.

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P谩ginas 78-79. Riot, el imaginario del poder. Instalaci贸n. 2014.

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Serie Work of (F)Art. School of Saarchi. 2013.

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Serie Work of (F)Art. Damien Hirst. 2013.

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Toja Paraj贸 Tower. 2015.

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The physical possibility of three skulls in total equilibrium tank .2013.

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Thank you very much, Spain. 2013. (Escultura)

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Biografias

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JAVIER AYUSO (Madrid,1981) Actual asistente de Javier Vallhonrat y Chema Madoz, además de su perfil artístico trabaja como profesional realizando trabajos de fotografía y edición digital para Santillana, El Corte Inglés, Air Europa y Repsol, entre otros. Su obra se ha visto en exposiciones individuales como “Sin Título pero Caminando”, BFoto, Sala UNED, (Barbastro, Huesca, 2015), “Untitled Project”, One Shot Hotel, 23 (Madrid, 2014), en el Pa-Ta-Ta Festival (Granada, 2013), en el Centro de Arte Tomás y Valiente (CEART) (Fuenlabrada, Madrid, 2013), “Untitled Project”, Sala Efti (Madrid, 2012), “Me queda la palabra”, Universidad de Cádiz, Kursala (Madrid, 2012) o en la Galería Spectrum Sotos (Zaragoza, 2011), y de manera colectiva en exposiciones como “Mirar otra vez”, Colección Álvarez Sotos. Sala de Armas de la Ciudadela (Pamplona, 2014), “Mínimos”, Galería Cero (Madrid, 2013), “Foto Art Festival”, Centro Nacional de Fotografía de Torrelavega (Torrelavega, Cantabria, 2013), “Pasión”, Círculo de Bellas Artes (Madrid, 2012), “Una obra de arte, obra una vida”, Galería Raiña Lupa (Barcelona, 2011), en Fundación WATU, Acción Indígena (Madrid, 2011), en la Galería D. Monroy, Colectivo “Sal de plano”, (México, 2011), “InteriorExterior”, Centro Cultural Galileo (Madrid, 2010), “Crisis”, Centro puerta de Toledo (Madrid, 2010) o “Fotógrafos de la Paz”, Espacio Ronda (Madrid, 2009), entre otras. Su obra forma parte de diferentes colecciones como la Colección de Arte Contemporáneo “CIRCA XX” – Pilar Citoler, la Colección de la Universidad de Cádiz, la Colección Particular Álvarez Sotos, la Colección de la Fundación Watu Acción Indígena o la Colección del Centro de Arte Tomás y Valiente de Fuenlabrada (CEART).

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CARLOS CASTRILLO (Burgos, 1984) Licenciado en Bellas Artes por la Universidad de Barcelona, Máster en Diseño Gráfico y Web por la escuela Trazos de Madrid y Máster en Investigación en Arte y Creación en la Universidad Complutense de Madrid. Además de diferentes cursos como Diseño Gráfico para Aplicaciones Multimedia por MSL Training de Madrid o Gestión y comunicación en Museos por la Universidad de Valladolid. Su obra se ha visto en numerosas exposiciones a nivel nacional como en “Querida Corrupción”, Espacio Trapecio (Madrid, 2015), “Papeles mojados – III Salón de las Vanidades”, El Carpio (Córdoba, 2014), “Saque de Puerta” y “Riot, el imaginario del poder”, Centro de Arte Complutense (Madrid, 2014), “20 y tantos”, Museo CAB (Burgos, 2014),

“Marca España”,

Kreativstadt Weiβensee ECC (Berlin, 2013), “SeAlquilaMercado”, Mercado de la Cebada (Madrid, 2013), “New World Order”, Espacio Joven de Valladolid (Valladolid, 2012), “Zwap artshow”, Deusto (Bilbao, 2011) o “Muestrarte Happening”, La Tabacalera (Madrid, 2011). Ha participado en el III Encontro de Artistas Novos de Santiago de Compostela y ha ejercido como asistente del artista Daniel Silvo. También ha trabajado como director artístico y diseñador gráfico en MEEU (Madrid Exposiciones y Eventos Urbanos), Vertical Marketing, Maraca Club, MULAFest 2014 (Madrid, Ifema). Su obra forma parte de diferentes colecciones privadas en Madrid, Bilbao, Salamanca, Segovia o Munich.

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MIKHA-EZ (Gijón, 1991) (Miguel Gónzalez) Licenciado en Bellas Artes por la Universidad de Salamanca y Máster en Historia del Arte Contemporáneo y cultura Visual por el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, La Universidad Autónoma de Madrid y la Universidad Complutense de Madrid. Su obra se ha visto en diferentes exposiciones individuales como “Monochromatic proposal (golden age)”, Galería Luis Méndez (Salamanca, 2014), “Color, light, vaccuum”, Galería Artetrece (Madrid, 2014), “Persistence of geometry”, Galería Adora Calvo (Salamanca, 2013), “Vacuum as space. Another experience of the vacuum”, Centro de Arte Contemporáneo Domus Artium 2002 (DA2) (Salamanca, 2013) o “White silence, please”, A galería d’art (Agramunt, 2012); así como en diferentes colectivas como “Ausencia y Presencia”, Galería Materna y Herencia (Madrid, 2015), “Parabölicas”, Espacio_E (León, 2015), “La ceremonia en el aire”, Galería Luís Méndez (Salamanca, 2015), “La ceremonia en el aire””Parabölicas”, Sala Unamuno y Espacio ZINK (Salamanca, 2014), “A balance between color and light expansion”, W Hotel Verbier (Suiza, 2014), “Del mapa al territorio. Colectivos y espacios culturales independientes en CyL”, Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León (MUSAC) (León, 2014), “L’eau à l’oeuvre”, Sala de Exposiciones del Principado de Mónaco (Mónaco, 2013), “Screens” Galería Mr. Pink (Valencia, 2013), “SeAlquila Mercado”, Mercado de La Cebada (Madrid, 2013) o “Véndetetú” (Eugenio Ampudia) Laboral Centro de Arte y Creación Industrial (Gijón, 2011), entre otras. Fundador y director editorial de la revista SIE7E crítica + humor + arte (2012-2015), también ha sido investigador colaborador del Instituto de Investigación en Arte y Tecnología de la Animación (ATA) de la Universidad de Salamanca (2013) Su obra está presente en diversas colecciones privadas como la Colección particular Borja Thyssen (Madrid), la Colección particular Hugo Fontela (Madrid), la Colección particular Pedro Sandoval (Madrid), la Colección particular Luigi Ratinno (Italia), la Colección particular Mark Selman (Nueva York), entre otras, y en públicas como las colecciones del Ayuntamiento de Salamanca, la Fundación Gaceta, Colección Centro de Arte DA2, la Filmoteca de Castilla y León y la Galería Adora Calvo, entre otras.

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Agradecimientos:

A Swab Barcelona por posibilitar nuestra participación en esta feria. A Joaquín Díez-Cascón, Marta Pérez, Javier Vallhonrat, Arantxa Romero y Daniel Silvo, por aportar sus palabras a esta publicación. A nuestras familias. A Gustavo. A los artistas, por su disposición e interés en formar parte de este proyecto y equipo. Al Excmo. Ayuntamiento de Soria por su ayuda en la elaboración de este catálogo.

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Dirección editorial: Carlos Mozas Rueda. Coordinación: Laura Jiménez Izquiérdo. Colaboraciones: David Peña Casanova. Textos: Carlos Mozas/ Laura Jiménez / Javier Vallhonrat / Marta Pérez Ibáñez / Daniel Silvo / Arantxa Romero. Artistas: Javier Ayuso / Mikha-ez / Carlos Castrillo. Diseño y fotografía: 3K ART Editorial. © de la edición, 3K ART, 2015 © de los textos, sus autores © de la fotografía, sus autores.. © de la obra, sus autores. Imprime: Truyol SA. ISBN: 13 978-84-608-2481-7 Pedidos e información: www.3k-art.com Tel.: +34 636 246 448

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3K PUBLICACIONES 3K ART www.3k-art.com

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Otredades. Aceptada la condición de ser otro, conscientes de la individualidad y asumida esta como parte de una realidad plural en la práctica artística contemporánea, los artistas se adentran en una búsqueda de lo personal, con códigos y formas dispares y personales, que nos ayudan a entender, desde la diversidad de lo coetáneo, la existencia de uno mismo a través de lo que sería la mirada de otro. Detenerse ante nuestro “yo” hecho perro en las obras de Ayuso, mirar lo irónico de lo ejemplarizante en un elefante caído de Carlos Castrillo, o perderse en la calma luz de la obras de Mikha-ez, es asumir que mucho de nosotros esta en lo individual del otro. Tres espejos donde “oírse llorar en medio de la sordera universal” para ser “carencia y búsqueda”(1) de nuestra propia forma de entender cuanto nos rodea, confeccionados con la frescura de lo actual sin embalajes del pasado. Una apuesta por la estética de lo diferente para el entendimiento de nuestro presente. (1)Octavio Paz. Itinerario.

Cátalogo editado con motivo de participación de 3K ART en Swab Barcelona Contemporary Art Fair, dentro del programa MYFAF, celebrada en Barcelona del 1 al 4 de Octubre 2015.